For the group show “Ghost Letter“

2024. 06

Recently, I increasingly use AI to generate images in the process of production. This is because I usually create paintings based on images taken from the Internet, and it is easy to experiment when I want to make a slight change or see a pattern.
AI is already being used everywhere in the world, whether we are aware or not. I am sure it is in the content you see today. When I think about it, I feel that my own thoughts, choices, and even the subjectivity of my own practice beyond that are being deprived little by little.
So I wondered if I could somehow resist AI. I wanted to show them something incomprehensible that would make them hold their hands.
I have previously depicted a wearable stuffed animal under the theme of what can be seen by hiding things. The stuffed animal which is the origin of the wearable stuffed animal is a substitute for an animal or character. A human being wears a stuffed animal inside and poses as a character. There is a grotesque perversion in wearable stuffed animals that injects a sense of vividness into something fictional. Here I sense a certain kind of humanity.
I then drew out a picture of the AI-generated image of the wearable stuffed animal. Looking at the completed picture, I felt it was like a proof photograph. It seemed to me that the emptiness of forcibly capturing the surface and identifying the individual, and the hollow image created by the AI, were connected by being made into a painting.

最近制作の過程でAIでイメージを生成することが増えた。というのも普段から私はインターネットの画像を元に絵画を制作しているが、少し変化を加えたい、もしくはパターンを見てみたいという際に手軽に試すことができるからだ。
私達が意識している、していないに関わらず、すでに世の中の至る所でAIは使われている。きっと今日あなたが見たコンテンツの中にもあるはずだ。そう思うと、なんだか自分自身の思考や選択、その先にある実践の主体性までもが、少しづつ奪われているように感じる。
そこで私はどうにかAIに抵抗できないかと考えた。彼らが手を止めてしまうような、理解不能なものを見せたいと思った。
以前、隠すことで見えてくるものというテーマで着ぐるみを描いたことがある。着ぐるみの元となるぬいぐるみはそもそも動物やキャラクターの代替物だ。その中に人間が入り、キャラクターを装う。着ぐるみは架空のものに生々しさを注入するようなグロテスクな倒錯がある。ここにある種の人間らしさのようなものを私は感じる。
そうして私はAIが生成した着ぐるみの画像を絵に描き出した。完成した絵を見ていると、
証明写真のようだなと感じた。強制的に表面を写しとり個人を特定する空虚さと、AIの作り出した中身のないイメージが、絵になることで繋がったように思えた。

For the group show “Ghost Letter

Text by Edel Assanti for Online solo exhibition

2023. 06

Hidetaka Suzuki’s figurative paintings depict uncanny, transient fragments of everyday life that blur the boundaries between reality and fiction.

Luxuriating in their absence of context and thematic dissociation from one another, his paintings are unified by their soft focus and wistful colour palette.

Suzuki’s paintings are translated from found online images, rendered in a distinct, horizontally vibrating brushwork that assumes a conceptual effect equivalent to pixels on a screen, drawing our attention to the mediation of his subject matter.

The ongoing series of Untitled paintings draws their compositions from AI-generated images, an interest that stems from Suzuki’s professional experience working as a programmer.

These images are treated with equivalence to his other source imagery, which include crops of intimate anonymous family scenes, still lifes and portraits, further frustrating our ability to differentiate between original and copy, truth and fiction.

Informed by the texture and ephemerality of digital images, Suzuki’s works vacillate between the virtual and the resolutely painterly, addressing technology’s capacity for appropriation with art historical modes of reproduction. Stripped of their contexts and cropped beyond recognition, these scenes are suspended between evocations of a before and after, as though severed from a lost sequence residing in someone’s memory, or on an unidentified hard drive.

鈴木秀尚の具象絵画は、現実と虚構の境界を曖昧にする、日常生活の不気味で儚い断片を描いている。

文脈の不在とテーマが互いに切り離されていることに惹きつけられる彼の絵画は、ソフトフォーカスと切ない色彩によって統一されている。

彼の絵画は、拾い物のオンライン・イメージから発見され、水平方向に振動する独特の筆致で描かれる。その筆致は画面上のピクセルに相当するコンセプチュアルな効果をもたらし、私たちの注意を主題の媒介に引きつける。

現在制作中の「Untitled」シリーズは、AIによって生成された画像から構成されている。

これらの画像は、匿名で親密な家族の情景や静物、肖像画などを切り取った他の画像と同等に扱われ、オリジナルとコピー、真実と虚構を区別することをさらに拒否している。 デジタル画像の質感と儚さに影響された鈴木の作品は、バーチャルと絵画的なものの間で揺れ動き、テクノロジーの流用能力と美術史的な複製様式に取り組んでいる。

文脈から切り離され、認識できないほどトリミングされたこれらのシーンは、誰かの記憶、あるいは正体不明のハードディスクに保存された失われたシークエンスから切り離されたかのように、以前と以後の喚起の間で宙吊りにされている。

 

BY Edel Assanti

September, 2022

2022. 09
I was fascinated at a certain point in my life with finding family photos on the internet.
I was attracted to the sense of guilt and the strange feeling of being able to see other people’s private photos, which I had nothing to do with. Things opened up in front of me that I would never usually have the chance to see.Once I reblogged a family photo on Tumblr that was probably from overseas, and there was a comment on it. It was a comment in English. It was an angry “Why do you have my father’s picture? Delete it immediately”.Of course, I did not upload this photo. Nor do I own it. It was a photo taken somewhere, uploaded to the internet by someone else, and for whatever reason, it showed up on my dashboard. If I deleted the post, the data would never disappear from the internet, but I immediately deleted that reblog.When I read the comments, I felt an eerie sensation as if I was suddenly touched by something damp and caught a glimpse of a gaze from out of nothing. Something supposed to be fiction was somehow connected to reality and haunting me. The place I believed to be safe was, from the other side, just within their reach.

私はネットで家族写真を見つけることに夢中になっていた時期がある。
他人のプライベートな写真を何の関係も無い私が見れてしまうことへの罪悪感と、その奇妙さに惹かれていた。普段では決して見ることのできないものが開かれているのだ。

ある時Tumblrでリブログした海外のものであろう家族写真にコメントがついていた。それは英語のコメントであったが、内容としてはなぜあなたが私の父の写真を持っているのか。すぐに消しなさいという怒りの内容だった。

もちろんこれは私がアップロードしたものではないし、正確にいうと私が所有しているものでもない。どこかで撮影した写真がネットにアップロードされ、何の因果か私のダッシュボードに表示されたのだ。私が投稿を消したとしてもデータがネット上から消滅することは決して無いが、すぐにそのリブログを消した。

コメントを読んだ時、不意に湿気を帯びた何かに触れられたような、何も無いところから視線を感じるような不気味さを感じた。虚構であるはずのものが、何かのきっかけで現実と接続され、こちら側に迫ってくる。私が安全であると思っていた場所は、向こうから見れば手の届く場所だったのだ。

Text by Sophie Arni for ArtConnect’s Artists to Watch ’21.

2021. 06

Hidetaka Suzuki stands out for his technical ability and purposefully minimal compositions.

The oil painting medium, known for its hyperrealistic tendencies and its technical difficulties, makes up for an interesting contrast to Suzuki’s choice of radically simple subject matter.

Whether it’s red peppers, such as in Red Basket, or a half-cut lemon, such as in Bomb, the viewer is left wondering what made these items so special for the artist to dedicate time to paint them. Suzuki doesn’t speak, he suggests.

鈴木秀尚は、その技術力と意図的に簡素化したコンポジションで傑出している。

油絵という画材はそのリアリスティックな傾向と技術的な難しさで知られているが、鈴木の選ぶ過激でシンプルな題材は油絵というメディウムと興味深い対比となっている。

Red basketのような赤ピーマンであれ、Bombのような半分にカットされたレモンであれ、見る側は作家が時間をかけて描くほどこれらのアイテムが特別なものであるのかどうか疑問に思うことだろう。

彼は語ることをせず、絵の中で示唆をする。

 

Sophie Arni / Curator

Text by Emilia Yin for Foundwork Guest Curators Program

2021. 06

I resonate with Hidetaka Suzuki’s quote about image-making and its function—he says, ‘Our future is woven from these fragments.’

Perceiving painting as a subjective glimpse, each of his works seems to occupy a space somewhere between the mundane and the uncanny: the cross-eyed pigeon, the hairy neck of a Geisha, or aggressive fire coming out of an ordinary stove.

The brushwork of his paintings is tender and playful, as if subtly reminding you not to forget the absurdity of our own existence, but with a dose of love and care.

鈴木秀尚の言う「私たちの未来はこの断片から紡ぎだされる」という言葉に共感します。

絵画を主観的なまなざしとする鈴木の絵画は、日常と不気味さの狭間にあるようです。

彼の絵は優しく遊び心があり、まるで私たち自身の存在の不条理さを忘れないように、しかし愛と配慮を込めてさりげなく気づかせてくれるかのようです。

 

Emilia Yin / Curator and the founder and director, Make Room Los Angeles